用一部片尾的時間

 
請見：https://vocus.cc/directing/5c88f84ffd8978000140844a

 
 
    事情是這樣子的。筆者日前去旁聽以前同事所開設的課程，同事要求修課的同學要問問題，而其中有一個同學的問題好像是「有沒有可能存在沒有攝影機拍攝而成的影像？還有，有沒有可能存在沒有劇情的電影？」

請見：https://vocus.cc/directing/5c88f82ffd8978000140841f

https://www.facebook.com/taiwanewavers
 
以後哩哩摳摳的東西都會丟到上面了
歡迎各位多多支持 <(_ _)>

   
 
    藝術的通則是留給天才打破的，而這也使得創作就某方面而言沒有規則可循，因為作品不是生產線上的產品（如果是，那其實必有其可悲之處）。因此當我們探究何謂戲劇性或戲劇張力時，探究此一問題必須要檢視該作品或者說是該創作者的創作風格；因為創作者透過作品呈現其風格，就像是每個人在日常生活中的一舉一動都可以呈現出他的個性一樣，要對人類行為作出質化的探討不可能不回到個案的深入探究。

   
 
    對於因為侯孝賢而喜歡上電影的人而言，電影有一種區分法：侯導的電影和不是侯導的電影。

請見：https://vocus.cc/@taiwanewavers/5f7051e4fd89780001644c53

對於表演，侯導要求展現角色的狀態。他經常在現場親自動手調整道具的擺設，營造出他要的氛圍，誘導演員呈現角色的本質，演出時感受不到攝影機給的壓力，演員有著極大的發揮空間。《紅氣球》可說是我在表演經驗上的分水嶺。
－Juliet Binoche
 
    茱麗葉‧畢諾許（Juliet Binoche）直言侯孝賢和阿巴斯（Abbas Kiarostami）是他從影以來最推崇的兩位導演，而以上的引言則是他談到的侯導執導風格。而在此想要探討的是：所謂的「演出時感受不到攝影機給的壓力」究竟意指為何？而這樣的執導手法是又如何形塑出他的作品風格？

 
   伍迪‧艾倫（Woody Allen）在他最近的作品《愛上羅馬》（To Rome with Love）對片中的四部短片採取了一種新的處理方式，因而問題也變得顯得易見：這四部短片是同時進行剪接在一起的，而非以往依序敘述。然而這樣的處理手法會導致的問題是：首先會讓觀眾一開始以為這四部短片彼此有所關聯；更進一步地，當故事敘述到中後段最具張力處時，由於四個故事都會引起緊湊或期待的感覺，而這樣的感覺更容易讓有些觀眾誤會這四部短片是有關的。然而直到影片結束才發現，這只是導演的新嘗試所導致的巧合而已。
    然而要考慮設計給觀眾如何的感受是導演的重要工作之一，而這樣的巧合其實是導演在處理上的失誤所導致的混淆。但筆者仍然對於這樣的嘗試仍然給予某些程度上的肯定，因為短片集形式的電影本來就會面臨整體無法統一的問題，而一部電影要圍繞著一個主題卻往往是評判其優劣的重要依據之一。
    對這個問題有所思考並加以嘗試的作品，筆者目前想到的是《紐約我愛你》（New York, I Love You）：這部以紐約為主題的短片集電影在各個短片之間有其鬆散的連結，卻又各自保持其獨立性。某部短片中的主角可能是另一部短片的配角，且不同的短片也有重複的場景，這樣的手法相當成功地刻劃了都市生活的樣貌。

 
我不一定要喜歡你，但我之所以尊重你是因為你是個人（human being）。
─荷索在片中對死刑犯的一段話